Interview — Al Di Meola: “Meine Musik lässt sich nicht kategorisieren”

In seiner mehr als 50 Jahre andauernden Musikkarriere blickt Al Di Meola nicht nur auf ein erstaunliches Erbe eines neuen Musikgenres zurück. Sein Stil zwischen Jazz Fusion, Rock, lateinamerikanischer Musik und folkloristischen Klängen machten ihn zu einem der größten Gitarristen seiner Zeit, unterstützt von seinem großen Mentor Chick Corea, in dessen Band Return to Forever er seine ersten Erfolge feierte. Zudem hat er eine unglaubliche vielseitige Diskografie geschaffen, angefangen mit den heutigen Kultalben Land of the Midnight Sun oder Elegant Gypsy, und die heute sein 34. Studioalbum Twentyfour präsentiert.

Ursprünglich geplant als akustisches und introspektives Solo-Gitarrenalbum während der Covid-Pandemie, entwickelte sich das Projekt zu einer umfangreichen Sammlung von insgesamt 15 Stücken aus unterschiedlichen Genres und Stilen, die alle eine hochkarätige Orchestrierung, Virtuosität sowie ausgefeilte Arrangements vereint und Al Di Meolas herausragendes Kompositationstalent beweisen.

Sie haben Ihren ersten Grammy gewonnen, als Sie 20 Jahre alt waren. Was kommt als nächstes, wenn man ein so großes Ziel so früh erreicht?

Ich habe eigentlich nie so sehr an die Grammys gedacht. Als ich den Grammy gewann, gewann ich ihn als Teil der Gruppe mit Chick Corea. Die Band hieß Return to Forever und war sehr populär, eine der bahnbrechenden Gruppen der Fusion-Periode Mitte der 70er Jahre. Und keiner von uns erwartete, dass wir gewinnen würden. Keiner von uns war bei der Preisverleihung, wir haben sie zu Hause im Fernsehen gesehen und waren völlig schockiert. Das war also meine erste Grammy-Erfahrung (lacht).

Aber die Grammys werden von Kritikern gewählt. Sie werden von Toningenieuren, Leuten aus der Branche usw. gewählt, und es ist höchst fragwürdig, wie legitim diese Dinge sind, weil sich viele Leute von Plattenfirmen um bestimmte Platten scharen. Es ist nicht die Öffentlichkeit, die abstimmt. Ich denke, wenn die Öffentlichkeit für ihre Lieblingskünstler und -künstlerinnen stimmen würde, stünden wahrscheinlich 50 Grammys in meinem Regal. Aber meine Absicht, mein Ziel und meine Energie galten dem Komponieren, und jetzt habe ich 34 Soloalben angesammelt (auch wenn meine neue Platte Twentyfour heißt). Es war also eine sehr lange und sehr fruchtbare Karriere.

Haben Sie damals gedacht, dass Sie Ihr ganzes Leben lang Musiker sein und Alben aufnehmen würden?

Ich hatte auf jeden Fall dieses Ziel und diesen Traum. Es war ein sehr starkes Gefühl, dass ich es schaffen wollte, als ich noch sehr jung war. Und diese Art von Traum wurde wahr, wenn man so will. Als ich mit 19 Jahren die Gelegenheit bekam, mit meiner Lieblingsband Chick Corea und Return to Forever zu spielen, spielte ich in der Carnegie Hall meine erste Show mit ihnen. Es fing ganz oben an und seitdem geht es ununterbrochen weiter. Das war am 19. Juli 1974, das heißt, dieses Jahr sind es 50 Jahre.

Wenn Sie Ihre erste Zeit als Künstler in den 70er und 80er Jahren mit der heutigen Musikindustrie vergleichen - was hat sich für Sie am meisten verändert?

Die Branche hat sich enorm verändert, weil wir früher an jeder Ecke Plattenläden hatten. Die sind alle verschwunden. Es gibt so gut wie keine mehr. Und es gibt jetzt alle Arten von Amazon, Streaming und Download-Bestellungen. Es ist natürlich nicht mehr dasselbe, es ist nicht mehr so aufregend wie früher, als man in einen Plattenladen ging, wie bei Fennec oder Virgin, und man seine Platten groß aufgebaut sah. Oder der Nervenkitzel, wenn man Platten von anderen Künstlern kauft und sie in der Hand hält, die Verpackung abnimmt und sich das Artwork anschaut... Es gab nichts Besseres als das. Wir leben in einem anderen Zeitalter. Einige Dinge sind besser. Einige Dinge sind mir lieber als die, die es damals gab, als die Plattenindustrie wirklich florierte. Meine Platte funktioniert glücklicherweise auf eine wunderbare Weise in diesem neuen Zeitalter, in dem wir die sozialen Medien und die Technologie kennen und wissen, wie eine Platte funktioniert, denn es ist völlig anders als früher.

Ihr erstes Soloalbum Land of the Midnight Sun wurde 1976 veröffentlicht. Woran können Sie sich bei den Aufnahmen zu Ihrem ersten Album erinnern?

Chick Corea hat mich eigentlich zum Komponieren gedrängt, er selbst ist ein phänomenaler Komponist. Er wollte, dass jeder in der Band ein eigenständiger Komponist wird. Als ich damit anfing, war ich noch sehr jung, gerade mal 21 Jahre alt. Ich wusste nicht, ob ich schreiben konnte, und war daher sehr unsicher. Und dann kam ich mit einer Platte heraus, die die meistverkaufte Columbia-Platte des Jahres in dieser Kategorie war. Ich denke, die beiden Jahre davor haben das wirklich bewirkt. Als ich mit Return to Forever spielte, habe ich viel von ihnen gelernt. Und es kam einfach aus mir heraus. Ich habe weder vor noch während des Prozesses, sondern erst nach der Veröffentlichung gemerkt, dass ich die Fähigkeit zu schreiben hatte. Die zweite Platte war ein Riesenhit, Elegant Gypsy. Erst dann habe ich gemerkt, dass ich einen Schreibstil und einen Spielstil habe und von da an hatte ich viel mehr Selbstvertrauen.

Ihr neues Album Twentyfour folgt diesem Debüt 48 Jahre später. Was ist anders an der Art, wie Sie heute aufnehmen? Wie hat sich Ihre Musik seither verändert?

Bei den anderen Alben hatte ich immer eine bestimmte Zeitspanne, um die Platte zu beginnen und fertigzustellen, und natürlich ein Budget. Die Budgets waren damals ganz anders, größere Beträge, weil die Plattenindustrie riesig war und ich an Popularität gewann. Die Budgets waren also unglaublich. Heute sehen die Dinge anders aus. Diese Platte, Twentyfour, begann eigentlich als Solo-Nylongitarren-Platte ohne Overdubs. Wir befanden uns in der Covid-Pandemie, und ich dachte, dass es besser wäre, Solo-Musik zu machen und darauf vorbereitet zu sein, sie solo zu spielen. Denn es wird sehr schwierig sein, meine ganze Band aus verschiedenen Städten, manchmal aus Europa, in die Staaten einzufliegen. Das war die Anfangsidee und so habe ich sie an die Plattenfirma verkauft. Die Plattenfirma hatte jedoch keine konkreten Forderungen bezüglich eines Veröffentlichungsdatums und hat mir immer sehr freundlich gesagt: Nimm dir so viel Zeit, wie du brauchst. Wir wollen, dass du mit der Platte zufrieden bist”, was unglaublich war! Mit dieser Freiheit, auch wenn es natürlich Geld kostet, ist dieses Album für mich reine Kunst.

Ich habe das Budget überschritten, weil ich nach und nach angefangen habe, mehr Instrumente einzubeziehen und die Produktion in einigen großen Bereichen zu erweitern. Bei einigen Liedern habe ich sogar ein italienisches Kammerorchester eingesetzt. Es wurde also eine ganz andere und umfangreichere Produktion, als ich ursprünglich vorhatte, und deshalb habe ich die Menge des Materials erweitert. Anstatt ein Album zu veröffentlichen und dann ein weiteres mit anderem Material zu einem späteren Zeitpunkt, war dies die Musik in diesem Moment. In dieser Zeit konnte ich mich voll und ganz darauf konzentrieren, denn es gab keine Tourneen. Ich musste keine Koffer packen, zu Flughäfen fahren, Interviews geben. Da war nichts. Ich hatte die Zeit, mich intensiver mit dem Schreiben zu beschäftigen und ich denke, dass die Platte für mich als Komponist einen ziemlich großen Entwicklungsschritt darstellt. Und ich betrachte es als eine Kompositionsplatte.

Ich bin glücklich damit als Künstler und als ästhetisches Kunstwerk. Ich habe nicht an die Radio-Charts oder die Umsätze im Laden gedacht, weil es keine Läden gibt. Ich habe einfach daran gedacht, dass dies eine künstlerische Aussage darüber ist, wo ich jetzt stehe. Und ich sehe, dass ich ein paar Sprünge nach oben gemacht habe.

Haben Sie also aus dieser besonderen Zeit und Arbeitsweise etwas für Ihre nächsten Projekte gelernt?

Schon möglich. Aber das war ein vierjähriges Projekt - ich meine, die Anzahl der Stunden, tausende und abertausende von Stunden, die ich damit verbracht habe, besonders spät in der Nacht. Denn ich schreibe die Songs mit einem Stift, ich mache Notizen. Ich habe ständig geschrieben, wieder gelöscht, neue Wege ausprobiert, und dann kam der Gedanke, eine neue Platte zu machen. Ich konnte mich wirklich darauf konzentrieren und jetzt ist im Moment so viel los im Gegensatz zu damals, weil wir damals auch nicht auf Promotour waren.

Außerdem hatte ich im letzten September einen Herzinfarkt und zum Glück geht es mir jetzt viel besser. In gewisser Weise hat das auch bei der Promotion geholfen, weil jeder davon wusste. Wir haben eine Menge Aufmerksamkeit bekommen, aber es war ein Übermaß an Liebe und Genesungswünschen - das war überwältigend. Und dann dachte ich mir, meine neue Platte kommt raus und sie wird sich sehr von den Live-Shows unterscheiden, denn akustisch wird sie näher an den Aufnahmen sein, und es spielt auch eine andere Band. Doch ich wollte mit der “The Electric Years”-Tournee zurück auf die Bühne gehen und ein paar Sachen von Land of the Midnight Sun, Elegant Gypsy und Casino spielen, und auch ein paar frühe Return to Forever-Sachen, weil das die beliebtesten Platten waren, die alle meine Fans kennen und die sie seit 40 Jahren nicht mehr gehört haben. Also haben wir die Tour auf diese Weise promotet, und wir haben alle Shows ausverkauft, die Resonanz war überwältigend. Es war das Richtige, es war, als hätte ich eine zweite Chance im Leben bekommen. Ich habe mein Leben aufrechterhalten und weitergelebt. Es ist wie eine Wiedergeburt. Ich werde zum Anfang zurückkehren und mich wieder jung fühlen.

Wie würden Sie die allgemeine Stimmung dieses Albums beschreiben? Es ist so viel unterschiedliches Material enthalten...

Es ist eine Menge zu konsumieren. Wir leben in einer Zeit, in der die Aufmerksamkeitsspanne sehr kurz ist und dies ist kein Album für Leute mit kurzer Aufmerksamkeitsspanne. Ich neige dazu, gegen den Strom zu schwimmen. In den USA schwärmt jeder von diesen elektrischen Gitarristen wie Joe Satriani und Steve Vai, Eddie Van Halen. Und ich habe mir - ohne es wirklich zu merken - eine Nische geschaffen, die so ganz anders war als die der anderen. Ich hatte diese elektrische Sache schon vorher gemacht. Das sind die neuen Typen, die das machen. Aber ich bin zu einer tieferen Art von Musik übergegangen, die mir jetzt ästhetisch viel besser gefällt. Ich habe einen Weg gefunden, zu den Anfängen zurückzukehren und sie sehr ansprechend zu gestalten, weil ich mir die frühen Platten angehört habe und mir klar wurde, dass dies keine simple Musik ist. Also habe ich einen Weg gefunden, die Musik genau so wiederzugeben, wie auf den Platten und wie die Fans sie in Erinnerung haben. Ich habe die Melodien und Rhythmen nicht verändert und es irgendwie moderner gemacht, sondern ich habe mich genau an den Sound der Platten von damals gehalten, denn sie klingen großartig. Ich musste sie nur neu überarbeiten. Und mit der Akustik-Sache spiele ich mehr vom neuen Album, was sehr herausfordernd, aber künstlerisch sehr befriedigend ist. Ich bin glücklich, beides zu haben.

Das Album hat auch einen sehr filmischen Charakter, oder? Mit Songs wie Esmeralda, Ava’s Dance in the Moonlight oder Paradox of Puppets...

Ja, absolut. Vor allem der Song Ava’s Dance in the Moonlight ist eigentlich von meiner jüngsten Tochter inspiriert. Im Jahr 2020 war sie vier Jahre alt und kam die Treppe herunter, um gute Nacht zu sagen, und machte ihre eigene Version einer Ballerina, weil sie gerade die Nussknacker-Suite in der Radio City Music Hall gesehen hatte. Sie war so verliebt in die Musik und die Bilder der Tänzer und Tänzerinnen und der Choreografie. Auf ihre eigene kleine Art und Weise hat sie das mit einer Puppe in der Hand nachgeahmt. Das war unglaublich niedlich. Ich drehte mich von meiner Arbeitsplatte weg, um sie anzusehen, und begann, etwas zu spielen, das mir in diesem Moment in den Sinn kam. Es war so etwas wie eine arpeggierte Figur, und ich begann, eine Melodie dazu zu singen. Es war einfach die Inspiration, sie zu beobachten, nicht weiter. Aber nachdem ich es ein paar Mal gemacht hatte, sagte ich mir: “Hey, warte mal, das ist ziemlich gut, ich sollte das vielleicht aufschreiben.” Und das war der Beginn dessen, was sich zu einer großen Produktion entwickelte. Es ist eine Geschichte, die dich auf eine Reise mitnimmt. Und sie ist visuell. Der Song Fandango hat auch eine visuelle Qualität. Er schwebt über den Alpen und ist sehr majestätisch. Musik, die Bilder heraufbeschwört oder Trauer über einen Verlust oder irgendetwas, das dein Herz bewegt. Das ist immer das Beste.

Sie haben den Beatles zwei Alben gewidmet, vielleicht widmen Sie auch bald eines Tschaikowsky? :)

Wissen Sie was? Als wir die Musik von Twentyfour mit meiner Akustikgruppe aufgenommen haben, habe ich Ballerinas engagiert. Es war schon immer mein Traum, das zu machen, und wir haben es in Phoenix im MIM (Modern Instrument Museum) gemacht, einem erstaunlichen Ort mit einer wunderschönen Halle. Ich schickte den Tänzerinnen die Musik und sie choreographierten sie zu verschiedenen Stücken, darunter Ava’s Dance in the Moonlight.

Ich wollte wirklich keine bestimmten Flamenco- oder Tangotänzerinnen oder nur klassische Tänzer und Tänzerinnen. Ich wollte jemanden, der wie meine Musik ist — eine Fusion, eine Mischung aus all diesen Elementen. Jemand, der die Grenzen überschreiten kann und all diese verschiedenen Stile in sich vereint und etwas Einzigartiges schafft. Die Musik lässt sich nicht kategorisieren, und genau darum geht es mir.